Qué Escultor Se Encargó De Supervisar Las Obras De Construcción Del Partenón?

28.10.2022 0 Comments

Qué Escultor Se Encargó De Supervisar Las Obras De Construcción Del Partenón
Esculturas del Partenón de Atenas (I) – 30 de noviembre de 2007 Publicado por Chus Fueron realizadas en el siglo V antes de Cristo por el escultor más famoso de la Antigüedad clásica, Fidias, quien también actuó como supervisor general de las obras del Partenón de Atenas, por encargo de su amigo Pericles, máximo dirigente de la democrática Atenas a mediados de ese siglo. Escultor religioso fundamentalmente, fue el autor de una de las obras considerada como una de las “Siete Maravillas” del mundo antiguo, la estatua crisoelefantina del Zeus de Olimpia. Para el templo dedicado a Atenea en la Acrópolis ateniense realizó la estatua que se albergaba en el interior del mismo y los relieves que decoraban el templo: metopas, frontones y el friso continuo que rodeaba los muros de la cella.

Respecto a la estatua, se trataba de una representación de la “Atenea Parthenos”, que se situaba en la naos, y de la que sabemos (pues no se ha conservado) que se había realizado con oro y marfil (crisoelefantina), materiales reservados a los dioses y, que debía responder al mismo tipo de la Atenea Varvakeion (posible copia romana de la Parthenos), de pie y con sus atuendos guerreros.

Planificó el programa iconográfico escultórico dividiendo y graduando la narración en altura y niveles. Así a nivel del suelo, en el friso continuo que rodea la cella, muestra una serie de relieves alusivos a los tiempos históricos, con una representación de las fiestas de las Grandes Panateneas, que se celebraban en la ciudad cada cuatro años, por la que mediante una procesión, la ciudad de Atenas donaba a la estatua de la diosa un peplo (Túnica – vestido) bordado por muchachas de la aristocracia.

En los relieves de las metopas representa los tiempos heroicos mostrando como protagonistas a héroes tales como Teseo y, en los de los frontones la representación es de los tiempos míticos, mostrando en el frontón este, “El nacimiento de Atenea” y en el oeste “La disputa entre Atenea y Poseidón por el control del Ática”.

El material con el que están hechas es mármol del Pentélico. Al igual que el resto del edificio, que posteriormente se recubría con estuco y se coloreaba por encima. Hoy la policromía se ha perdido, y con ella el sentido y la percepción que entonces tenía la sociedad de ese momento.

  1. El friso que rodeaba la naos es una novedad que presenta el Partenón, ya que ningún edificio dórico anterior había utilizado este espacio como lugar decorativo;
  2. Desde el ángulo sudoeste partía en las dos direcciones, y se juntaba en la cara oriental, decorando el perímetro de 160 metros;

Los paneles del relieve, realizados en mármol, actualmente están repartidos entre su emplazamiento original, el Museo del Louvre (París, Francia), el British Museum (Londres, Gran Bretaña) y el Museo de la Acrópolis (Atenas, Grecia). En ellos se nos muestra a diferentes ciudadanos acudiendo a rendir tributo a los dioses, que aguardan sentados.

¿Quién fue el encargado de supervisar la construcción del Partenón?

Fidias​ (Atenas, hacia 500 a.

¿Quién se encarga de los trabajos escultóricos del Partenón?

🧐 El PARTENÓN de Atenas: TODO lo que necesitas saber

Partenón – En la fachada oriental del gran templo de la Acrópolis de Atenas se situaba el pórtico de entrada a la cella en la que se alzaba la estatua criselefantina de Atenea. Foto: Shutterstock En cambio, todo el mundo podía ver los dos frontones, el que cerraba la cubierta a dos aguas del edificio por encima del pórtico delantero y el que lo hacía sobre el trasero.

Ambos conjuntos estaban dedicados a presentar, respectivamente, el excepcional nacimiento de Atenea en el Olimpo, directamente de la cabeza de su padre Zeus, y su toma de posesión de la Acrópolis ateniense.

Atenea era así una divinidad políada, es decir, protectora de la ciudad y su territorio, de los ciudadanos y de todo cuanto poseían : sus moradas, sus instituciones y sus medios de vida. También estaban al alcance de la vista las 92 metopas del friso dórico que decoraba todo el peristilo.

Cada uno de los lados exaltaba el perfil civilizador de los griegos, humanos y divinos, frente a un enemigo de rasgos bárbaros , que se oponía al orden presidido por la justicia de Zeus. De un modo u otro, Atenas desempeñaba un papel preponderante a través de sus héroes míticos o de su diosa, a la que el mito oficial atribuía el auxilio necesario para que cualquier héroe griego consiguiera una victoria justa.

En el lado este, el principal, los dioses, con Atenea entre ellos, luchan contra los Gigantes, los hijos de la Tierra, que habían intentado asaltar el Olimpo para eliminar el orden establecido. En el lado norte, los griegos, con Atenea de su parte, combatían contra los asiáticos troyanos prefigurando la victoria de los atenienses sobre los persas. .

¿Cómo se llaman los arquitectos diseñadores del Partenón?

Para llevar a cabo dicha labor se hace llamar a los arquitectos Ictino y Calícrates quienes diseñaron y construyeron, bajo la supervisión de Pericles y del escultor Fidias, el mayor templo levantado hasta ese momento y que en este caso estaría, al igual que el anterior templo destruido por los persas, dedicado a la.

¿Qué hizo Fidias en el Partenón?

De su obra se ha escrito muchísimo; de él, no sabemos demasiado. Nació en Atenas y allí trabajó, aunque también se desplazó a otras ciudades. Su obra data de mediados del s V a. C (470-430), pero la mayoría de sus esculturas se han perdido y las conocemos a partir de copias.

  1. Trabajó el mármol, el bronce, el oro y el marfil y se marchó de Atenas tras ser acusado de hurto en un asunto relacionado con su obra Atenea Parthenos;
  2. Acudió entonces a Olimpia a esculpir su Zeus;
  3. Sus obras más conocidas son las esculturas exentas y relieves vinculadas a la Acrópolis: Atenea Promacos, Atenea Lemnia y Atenea Parthenos; las repasamos;

ATENEA PROMACOS. La pieza original se ha perdido, la conocemos porque podría ser semejante al relieve que aparece en una estela del s V con connotaciones fidiacas. Sería una escultura monumental de unos quince metros de altura, vestida con túnica, peplo, casco corintio y lanza. Qué Escultor Se Encargó De Supervisar Las Obras De Construcción Del Partenón Atenea Lemnia ATENEA LEMNIA. Esta escultura se la encargaron a Fidias los lemnios para su Acrópolis, y de nuevo el original en bronce se perdió y lo conocemos por copias romanas en mármol. Atenea Lemnia, considerada dispensadora de paz, aparecía de pie, vestida con un peplo y llevando quizá un casco en la mano (no tendría, por tanto, función protectora).

El brillo de éstos sería visible desde lejos y anunciaba en la distancia la presencia de la Acrópolis. La diosa simbolizaba además la salvaguarda de Atenas. Su cabeza queda al descubierto y dirige su mirada al casco que llevaba en la mano derecha, quizá en la izquierda portase una lanza.

Sobre el peplo se representó una cabra amaltea. El estudio de las telas y pliegues busca el naturalismo: caen verticales o formando curvas, muy cuidados, y el movimiento de su cabeza también resulta ligero y suave. Precisamente su rostro, que fue modelo para esculturas posteriores, constituye el canon de belleza del mundo clásico, ejemplo de idealización y armonía.

En el cabello lleva una cinta lisa que ciñe la cabeza y el pelo queda abultado por encima y por debajo en ondulaciones suaves perfectamente trabajadas buscando evitar el hieratismo. Se trata de una figura más amable que la Atenea Promacos y que rompe el estatismo.

ATENEA PARTHENOS. La conocemos igualmente por una copia romana, la Atenea Varvakeion. Sabemos que la original se elaboró en marfil y oro. Porta los atributos propios de la diosa (victoria, escudo, casco) y en la concavidad del escudo había una serpiente enroscada sobre sí misma.

Descansa sobre una pierna y desplaza la otra ligeramente hacia atrás, como ha mostrado el estudio de los pliegues, que no caen verticales en la pierna izquierda para evitar el estatismo. El hecho de que se esculpiesen figuras en el casco demuestra el gran interés de Fidias por los detalles.

Se trata de un casco de triple cimera, con una esfinge y dos caballos alados. La Atenea lleva una égida adornada con la cabeza de Medusa y se trazaron con mimo sus rizos. En la mano derecha porta una victoria alada, casi de tamaño natural, y la izquierda la apoya en un escudo decorado con relieves y pintura sobre temas frecuentes en la mitología griega: la gigantomaquia y la amazonomaquia.

  • Las sandalias también presentan suelas muy altas con relieves sobre la centauromaquia;
  • APOLO PARNOPIOS;
  • Conocemos la copia en mármol del original en bronce que se ha perdido;
  • Se trata de un desnudo masculino dominado por la armonía, el equilibrio y la suavidad de las formas; se trata de una figura en pie, que apoya ambos pies en el suelo y tiene una pierna ligeramente doblada para crear movimiento;

Sus rodillas no son tan geométricas como las que vemos en esculturas anteriores y su giro de cabeza es semejante al de la Atenea Lemnia, pero no la inclina, a diferencia de aquella. El cabello le cae por la nuca, el borde del cuello y sobre los hombros, enmarcando su cara buscando el naturalismo.

En las manos llevaría probablemente algún objeto, quizá un arco en la derecha y una rama de árbol en la izquierda. Presenta un pequeño defecto, según los expertos: la zona de los pies es demasiado pequeña para sostener el cuerpo, pero pese a ello se considera la obra más perfecta del arte de Fidias.

RELIEVES DEL PARTENÓN. Para el Partenón ateniense, Fidias realizó alto, bajo y mediorrelieves que se encuentran en distintas zonas: las 92 metopas, decoradas con temas de la mitología griega; el friso de las Panatheneas, que bordeaba la cella, y que mostraba una procesión de miembros de distintas clases sociales hacia la diosa Athenea para entregarle el manto que cada año le tejen y los frontones, occidental y oriental, en los que se representaban el nacimiento de Atenea y la lucha de ésta con Poseidón. Qué Escultor Se Encargó De Supervisar Las Obras De Construcción Del Partenón Relieve de las metopas del Partenón Realizaría estas obras con su equipo de discípulos, con los que Fidias mantenía una gran unidad estilística, apreciable sobre todo en las metopas. En éstas se realiza un magnífico estudio de las composiciones, normalmente cerradas. En las escenas de centauromaquia se cuidó con detalle el tratamiento de las figuras de lapitas y centauros, los desnudos y las distintas posiciones. Se trata de altorrelieves áticos, con fondo liso, en los que se estudiaron los distintos planos, el movimiento, la anatomía y los rostros, creando verdaderos retratos de la sociedad ateniense (filósofos, aristócratas…) que desprenden nobleza.

Las figuras se relacionan entre ellas, a veces enlazando partes de sus cuerpos, que mueven con libertad. Según el mito, los centauros fueron invitados a la boda del rey de los lapitas e intentaron secuestrar a la novia y a las mujeres que habían acudido a la ceremonia.

En los vestidos de las mujeres raptadas se cuidaron el tratamiento de las telas y los plegados y la anatomía que transparentan. Los rostros masculinos barbados se mantienen nobles y serenos pese al movimiento, porque finalmente los lapitas consiguieron vencer a los centauros en un terrible combate que para los griegos simbolizaba el triunfo de la civilización sobre la barbarie.

  1. El friso corrido de las Panatheneas arranca del ángulo suroccidental del Partenón;
  2. Dos desfiles concurren en la fachada occidental, en la que se representa la entrega del manto ante los dioses del Olimpo, que después se lo ofrecen a Atenea;
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El cortejo lo forman jóvenes, jinetes, hombres llevando animales al sacrificio, distintos personajes de la sociedad griega, doncellas…todos caminando en la misma dirección, con sentido procesional. Las figuras se comunican a través de sus distintas posturas (giran la cabeza, atrasan un brazo…). Qué Escultor Se Encargó De Supervisar Las Obras De Construcción Del Partenón Fragmento del friso corrido de las Panatheneas Los frontones, por su parte, se han reconstruido a partir de restos originales. En ellos las figuras se adaptan al marco y se distribuyen a partir del eje central. En el oriental se representó el nacimiento de Atenea a partir de la cabeza de Zeus, y rodean la escena dioses del Olimpo. En el occidental aparece la lucha de Atenea y Poseidón por el control de Atenas y la Acrópolis.

Se estudiaron individualmente con realismo y presentan gran movilidad, evitando la monotonía. Sus pliegues destacan por su riqueza y por los claroscuros que generan, consentido pictórico. El bajorrelieve tiene gran proyección y las figuras apenas sobresalen del fondo, pero muestran una gran corporeidad y en ellas se distinguen distintos planos, de modo que parece que el relieve es mayor al real.

Llama la atención la importancia dada a los animales que forman parte del conjunto. Los altorrelieves se trabajaron aún más que en las metopas, generando verdaderas figuras exentas.

¿Cómo es mejor conocido el escultor Fidias?

Fidias Escultor griego Nació el año 490 a. se cree que en Atenas. Sobresalió por su perfección en el tratamiento de la forma, el volumen y la expresión de sus esculturas. Es conocido también como arquitecto y pintor. Al haber desaparecido la mayor parte de sus trabajos originales, el estudio de su obra es posible por las descripciones que de ella hicieron los escritores antiguos.

Su primera obra conocida es un grupo escultórico en bronce representando a los héroes nacionales con el general Milcíades el Joven como figura principal. El estadista ateniense Pericles le encargó la supervisión de todas las obras públicas y la realización de cuantas estatuas debían erigirse en la ciudad.

Fidias dirigió las obras de construcción de los Propileos , que eran la entrada monumental a la Acrópolis , y del Partenón. Para el interior del Partenón esculpió, en oro y marfil, la estatua de Atenea , diosa de la sabiduría y protectora de Atenas. Su obra maestra es la estatua de Zeus , padre de los dioses, ubicada en Olimpia.

  1. Falleció el año 430 a;
  2. , no se sabe si en prisión o en el destierro ya que los enemigos de Pericles le acusaron de adueñarse del oro que recibió para levantar la estatua de Atenea;
  3. También se afirma que le fue levantado el cargo de malversación, pero se le condenó por esculpir su retrato y el de Pericles en el escudo dorado que portaba la estatua de Atenea;

*buscabiografias. com.

¿Quién destruyó el Partenón?

Para saber más – Los mármoles del Partenón. Cook. Akal, Madrid, 2000. El Partenón en los orígenes de Europa. Rodríguez Adrados. CSIC, Madrid, 2003. The Parthenon. Mary Beard. Harvard U. , 2003. Google Art Project: Acropolis Museum.

¿Quién fue el arquitecto más famoso de Grecia?

Ictino (siglo V a. ), principal arquitecto del periodo ateniense clásico. En colaboración con Calícrates proyectó y construyó el Partenón en la Acrópolis de Atenas, sobre el que escribió un libro que desgraciadamente se ha perdido.

¿Dónde se encuentran las esculturas del Partenón?

“Opaco es el ojo que no llore al ver los muros desfigurados, eliminados los desmoronados sagrarios por manos inglesas”. La cita es del poeta británico Lord Byron y describe el Partenón de Atenas a principios del siglo XIX. Fue una dura crítica a su compatriota Lord Elgin , una figura defenestrada en Grecia por haber sido el promotor del desmantelamiento del friso del edificio y su posterior traslado al Reino Unido.

  1. La obra de Fidias, esculpida hace unos 2;
  2. 450 años, fue separada en dos por el noble inglés durante la ocupación otomana del actual territorio griego;
  3. Han pasado más de dos siglos desde entonces, pero los helenos se niegan a olvidar: quieren las esculturas del Partenón , expuestas el Museo Británico de Londres, de vuelta en Atenas;

No parecen dispuestos a cejar en su empeño por conseguirlo. “Esas obras son muy importantes para nosotros. Son parte de nuestra cultura, de nuestra identidad como griegos. No se trata sólo de estatuas. Hay helenos que nunca tendrán la oportunidad de verlas porque no van a viajar a Inglaterra”, explica a El Confidencial la soprano Sonia Theodoridou , activista por la vuelta de los mármoles de Elgin a Grecia.

El Museo Británico y su gobierno, sin embargo, se muestran reacios a dejar escapar las preciadas reliquias. Varias organizaciones griegas e internacionales han sido fundadas en los últimos años para presionar por la vuelta de las esculturas.

Theodoridou las apoya. El pasado 10 de junio irrumpió en el British Museumataviada con un vestido al estilo de la Grecia clásica. Le acompañaban seis jóvenes igualmente disfrazadas. Habían ido a visitar la estatua Cariátide expuesta en el museo y a pedir su vuelta a Grecia, donde se encuentran cinco figuras idénticas. El coraje de los griegos en la defensa del monumento no es nuevo. Los helenos ya se encontraron ante el dilema de proteger el monumento cuando los otomanos se atrincheraron en la Acrópolis durante la guerra de independencia. Los asediados intentaron fundir el plomo de las columnas para construir balas. El bando griego decidió ofrecerles munición de su propio arsenal si aceptaban no dañar el Partenón.

  • Sustentaban, en forma de pilastras, el Erecteión de la Acrópolis capitalina: “las otras cariátides están esperando a su hermana, sola en el British Museum”, comenta;
  • “El templo a Atenea ha sido reconocido, miles de años después de su construcción, como un símbolo de la democracia;

La reunificación de las esculturas de su friso es de gran importancia no sólo para los griegos sino para todo el mundo”, expone María Koutsikou mánager de la campaña Marbles Reunited , una de las organizaciones nacidas en los últimos años para reclamar la vuelta de los mármoles.

Al movimiento se han unido nombres tan conocidos como el de George Clooney. El actor norteamericano causó controversia el pasado febrero al pedir la vuelta de los mármoles durante la presentación de su película Monuments Men : “Quizá no sería algo malo si fuesen devueltas.

Creo que sería una buena idea. Sería algo muy justo y agradable. Creo que es lo correcto”, dijo, levantando no pocas críticas. Dos siglos dividido La historia de la polémica tiene su origen en 1801. Lord Elgin era entonces el embajador británico en el Imperio Otomano.

Se sirvió de un polémico permiso estatal para llevarse parte del friso del Partenón y otras esculturas a su país. Muchos expertos han criticado la validez de esa licencia. Sólo ha llegado hasta nuestros días una traducción al italiano del original, fechada en 1801.

El documento primario habría sido entregado a funcionarios otomanos ese mismo año, según Elgin y sus hombres, pero los investigadores no han sido capaces de hallarlo a pesar de la supervivencia de muchos documentos de la época. La licencia carece además de la firma y sello del Sultán , argumento utilizado por quienes están a favor de la vuelta de las esculturas para refutar su legitimidad.

  • Creen también que Elgin se excedió en su interpretación y que el documento no le daba permiso para llevarse las esculturas;
  • Otros, como la soprano Theodoridou, ponen en tela de juicio la autoridad otomana para decidir sobre el Partenón: “No es posible tomar lo que quieras de un sitio que estás ocupando;

Estuvimos bajo el yugo otomano durante 400 años pero eso no les daba autoridad para llevárselo todo “, critica, a pesar de que el estado nacional griego no existía en aquella época. La colección fue adquirida por el gobierno británico en 1816 tras unas polémicas sesiones en el parlamento: “Lord Elgin actuó con total conocimiento y permiso de las autoridades de aquellos días y recibió una licencia que cubrió su trabajo.

El comité parlamentario investigó profundamente las acciones de Elgin y las declaró totalmente legales”, explica un portavoz del Museo Británico a este medio. El precio de la adquisición fue de 35. 000 libras.

La colección incluye unos 75 metros de los 160 originales del friso de Fidias, 17 esculturas de los pedimentos este y oeste, así como 15 paneles de las metopas. Supone más de la mitad de la decoración original del Partenón que ha sobrevivido hasta nuestros días.

El resto se encuentra, en su mayor parte, en el Museo de la Acrópolis, en Atenas, aunque hay piezas en otros centros como el Louvre parisino. El repertorio del British incluye también objetos de otros edificios de la Acrópolis, como la Cariátide del Erecteión.

El gobierno heleno sólo reclama oficialmente las esculturas del Partenón, al no ser una pieza única sino parte de un monumento dividido y además tener relevancia global. Otras organizaciones reclaman la vuelta de todas las piezas. “No se puede dividir una obra de arte.

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Es como matar a alguien”, critica a este portal Dimitrios Pandermalis , presidente del Museo de la Acrópolis y activista por la vuelta de las esculturas. “Partir por la mitad un monumento es muy distinto a llevarse una pieza completa”, añade.

La unidad del friso es la tesis más defendida por quienes defienden la vuelta de las piezas a Grecia. Las esculturas cuentan una historia, probablemente la procesión de las Grandes Panateneas, celebrada cada cuatro años para honrar a la diosa Atenea. Su elemento narrativo se rompe, según los expertos helenos, si el friso es separado.

Algunos han llegado a comparar su división la exhibición imaginaria de trozos de un cuadro de Picasso en varios museos. Devolver las esculturas a su entorno Abogan también por la vuelta de los mármoles a su entorno natural para comprender el monumento en su totalidad.

La apertura de la nueva sede del Museo de la Acrópolis, en Atenas, hizo posible esa aspiración: “tenemos expuesto el friso del Partenón tal y como estaba dispuesto originalmente en el edificio. Nos faltan, sin embargo, las piezas que están fuera de Grecia”, explica Pandermalis mientras camina alrededor del espacio rectangular erigido en el último piso del edificio para albergar el friso y el frontón del Partenón.

La sala está completamente acristalada, mostrando una espectacular vista de toda la Acrópolis. Un piso más abajo se encuentra la exposición de las Cariátides del Erecteión. También allí hay un hueco vacío, el de la estatua expuesta en el British Museum.

“Las esculturas deben volver a unirse en la tierra en la que fueron creadas para que se relacionen directamente con el monumento al que pertenecen”, explica Manuela Pavlidou , secretaria general de la fundación Melina Mercouri, promotora junto a la fundación Marianna Vardinoyanni de la campaña ‘Return, REstore and Restart’ inaugurada a finales de junio. “Nuestros consejeros están convencidos de que la división actual permite que sean contadas historias diferentes y complementarias sobre las esculturas supervivientes. El Museo Británico existe para contar la historia de los logros culturales del mundo y es un recurso único para el planeta. Todos los objetos de nuestra colección forman parte vital de ese recurso de la humanidad y es por tanto esencial que la colección permanezca íntegra”, añade el portavoz del British Museum.

Quienes están a favor de la vuelta de las esculturas critican el punto de vista isleño: “No es ético quedarse con algo que has robado de alguien. No tenían nuestro permiso “, aduce la soprano Theodoridou.

“El Museo de la Acrópolis no pretende ser un museo universal. Se centra en proveer una narración holística y amplia de la Acrópolis y sus monumentos asociados. El rol de los mármoles del Partenón en esa narrativa no es opcional sino integral y esencial. Eso da al Museo de la Acrópolis una mayor legitimidad sobre el Museo Británico para exponer las esculturas”, señala Eddie O’Hara , presidente del Comité Británico para la Reunificación de los Mármoles del Partenon.

También recuerda el miedo del British Museuma ver sus estanterías vacías si atiende a las reclamaciones helenas: “continúa resonando públicamente la teoría de las ‘compuertas’ , es decir, que el retorno de esas esculturas sentaría un precedente , llevando a una inundación de reclamaciones similares que supondría, si son atendidas, desnudar las galerías de los grandes museos”, detalla.

“Ese argumento está próximo a admitir que mucha de la propiedad cultural de los grandes museos es de proveniencia cuestionable. También es exagerado. Los grandes museos sólo exhiben permanentemente una pequeña fracción de sus colecciones, quizá el 20%, y no todas las demandas tienen el mismo merecimiento “, señala.

  • “La teoría de las ‘compuertas’ no se aplica a las esculturas del Partenón;
  • Son una parte integral de un monumento declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco y dividido en museos situados a miles de kilómetros de distancia;

Su reunificación no sentaría precedente”, añade O`Hara. Prevenir daños Otro de los argumentos esgrimidos desde el Reino Unido para justificar la adquisición de los mármoles es su protección. La situación política en Atenas era complicada a inicios del siglo XIX.

No tardó en estallar la Guerra de Independencia Griega (1821-1832) y los combates terminaron dañando a la Acrópolis. Pandermalis también critica ese punto de vista: “una operación de limpieza británica ejecutada en los años 30 dañó mucho a las esculturas, así que no se puede decir que estén más protegidas en Londres”, asevera.

Su museo explica detalladamente, a través de un vídeo, cómo los británicos dañaron las obrascon una técnica rudimentaria de extracción utilizada para separar el friso del edificio: “es importante recordar que las esculturas del Partenón no fueron transportadas por Lord Elgin a Gran Bretaña como un acto de salvación de cara a la educación pública.

Los motivos oficiales fueron menos benevolentes. Su intención original era utilizar las obras para decorar su finca. Cuando, años después, Elgin se encontró en dificultades financieras, fue forzado a aproximarse al gobierno británico para vender las esculturas”, argumenta Koutsikou, de Marbles Reunited.

El Museo Británico ha mostrado su disposición a prestar las obras para su exposición en Atenas con la condición de que Grecia acepte la propiedad británica de las piezas. No se ha encontrado con una respuesta positiva: “los mármoles del Partenón no pertenecen a nadie, son patrimonio universal”, piensa Pandermalis.

  1. Otros expertos rechazan la idea de trasladar las esculturas de un museo a otro y abogan por su restitución en el Partenón, algo difícil en el corto y medio plazo;
  2. La vuelta a Grecia de algunas de las piezas de la Acrópolis diseminadas en otros países ha suscitado interés mundial y, según algunos expertos, legitima el movimiento de retorno de las esculturas;

El Vaticano devolvió una pequeña pieza en 2008. Una ciudadana sueca y una universidad alemana ya habían devuelto piezas de la Acrópolis dos años antes. Atenas se ha movido en el mundo diplomático para exigir la vuelta de los mármoles. Persigue ese objetivo a través del proceso de mediación de la Unesco: “el asunto ha estado en la agenda del Comité Intergubernamental para la Promoción del retorno de Propiedad Cultural desde 1987”, lamenta O`Hara.

  • Otros expertos opinan que cualquier posibilidad de reclamación habría prescrito;
  • “La vuelta de las esculturas es un asunto que concierne visceralmente a los griegos;
  • Algunas veces se tergiversa y se critica como nacionalismo, un concepto político de dudoso pedigrí;

Lo cierto es que es más bien un concepto de etnicidad : el estado griego y su gente ve al Partenón como un icono de su identidad étnica. Eso es un concepto cultural”, subraya el experto. Él es británico y apoya la vuelta de los mármoles del Partenón a Atenas.

¿Quién fue Pericles en la antigua Grecia?

(en griego Περικλῆς, ‘rodeado de gloria’) fue un importante jurista, magistrado, general, político y orador ateniense en los momentos de la edad de oro de la ciudad. (en concreto, entre las Guerras Médicas y las del Peloponeso).

¿Quién fue el primer escultor de España?

NOTICIA 01. 01. 1970 – 01:00h Actualizado: 06. 08. 2019 – 10:08h Te mostramos una selección con algunos de los escultores más relevantes del panorama artístico hispano, ordenados de manera cronológica. 1 Alonso Cano (España). Pintor, escultor y arquitecto español, Alonso Cano nació en 1601 y falleció en 1667.

Como escultor se formó con Juan Martínez Montañés. Sus obras escultóricas más famosas son el retablo de Nuestra Señora de la Oliva en la iglesia de Lebrija, y las figuras colosales de San Pedro y San Pablo.

En Sevilla realiza otra de sus obras importantes, la Inmaculada Concepción que se venera en la parroquial Iglesia de San Julián, escultura en madera policromada de 1,41 m de altura. Alonso Cano buscaba en las obras que realizaba, por encima de cualquier otra consideración, la belleza, algo que se puede apreciar en sus imágenes esbeltas, las cuales adoptan formas de huso y poseen rostros ovales, ropajes que se pliegan y la capacidad de transmitir una gran tranquilidad.

  • 2 Manuel Tolsá (España);
  • Este escultor español nació en 1757 y murió en 1825;
  • Estudió en Valencia en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid;

Fue discípulo del escultor José Puchol. Entre sus obras, destacan: Estatua ecuestre de Carlos IV “El Caballito”, Busto de Hernán Cortés en el Hospital de Jesús o los Cristos de bronce que se encuentran en la Catedral de Morelia. 3 Eloy Palacios (Venezuela) Este escultor venezolano nació en 1847 y murió en 1919.

En los primeros años continúa siendo tradicional en Venezuela la creación de imágenes religiosas realizadas en tallas de madera. Posteriormente, se van imitando los modelos de la antigüedad greco-romana, representándose las figuras humanas con pesos muy similares a las utilizadas en las estatuas clásicas.

Entre las obras más destacadas de Eloy Palacios están: la Estatua de José María Vargas en el Hospital Vargas de Caracas, la Estatua de Simón Bolívar en la Plaza Bolívar de Maracaibo o la Estatua de José Antonio Páez en la Plaza Páez de Caracas. 4 Lola Mora (Argentina).

Esta escultora nació en 1866 y murió en 1936. El gobierno argentino le encargó numerosas obras. En 1900 le encargó los bajorrelieves que luego adornarían el patio de la Casa de La Independencia en San Miguel de Tucumán.

Su obra más relevante, la Fuente de las Nereidas, causó polémicas moralistas. Cuando la terminó en 1903, la sociedad aún “victoriana” consideró “licenciosas” y “libidinosas” las esculturas que mostraban (y muestran) alegremente sin recatos los cuerpos desnudos emergiendo triunfalmente de las aguas.

5 Rodrigo Arenas Betancourt (Colombia). Rodrigo Arenas Betancourt nació en 1919 y murió en 1995. Fue uno de los artistas colombianos más prolíficos y apreciados nacional e internacionalmente. Sus bronces se caracterizan por ser gigantes, melodramáticos y espectaculares; se encuentran ubicados a lo largo y ancho de la geografía colombiana.

Cuatro ejemplos muy destacados de sus trabajos son: Bolívar Desnudo de Pereira, Bolívar Cóndor en Manizales, Monumento a la Raza en el Centro Administrativo La Alpujarra en Medellín, y el complejo Lanceros del Pantano de Vargas cerca a Paipa, que es la escultura más grande de Colombia.

  1. 6 Juan Soriano (México);
  2. Este artista plástico mexicano nació en 1920 y falleció en 2006;
  3. Su trabajo se distingue por haber desarrollado un estilo propio, basado en el lirismo y una búsqueda constante, derivada de la inquieta personalidad del creador;
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Juan Soriano se interesó por la escultura monumental, entre cuyas obras se recuerdan Pato, Pájaro Dos Caras, y Pájaro Con Semillas. En el espacio público, se pueden hallar algunas de sus obras más conocidas: Paloma (Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México), Ola (World Trade Center de Guadalajara, México), Luna (Auditorio Nacional, Ciudad de México) y Sirena (Plaza Loreto, Ciudad de México).

  1. Si quieres conocer más información sobre la vida y obra de este artista, visita su página web;
  2. 7 Fernando Botero (Colombia);
  3. Fernando Botero es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido en 1932 en Medellín;

Después de pasar varios años en Europa, fijó su residencia en Nueva York. Actualmente posee residencias en varios lugares del mundo: Colombia, París o la localidad italiana de Pietrasanta son algunas de ellas. Está considerado como uno de los artistas latinoamericanos más cotizados del momento.

  1. Con unas señas de identidad inconfundibles, como son sus cuerpos humanos voluptuosos y desproporcionados, sus obras están expuestas en ciudades como: Londres, Roma, San Francisco, Filadelfia, Boston, Chicago, Basilea, Buenos Aires, San Juan de Puerto Rico, Santo Domingo, Berlín, Múnich, Fráncfort, Tokio, Milán, Nápoles, París, Montecarlo, Madrid, Moscú, Viena, Ciudad de México, Monterrey o Caracas, entre otras;

Botero ha podido lucir sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia y hasta en las Pirámides de Egipto.

8 Pérez Celis (Argentina). Nació en Buenos Aires en 1939 y falleció en 2008. Su obra se expresó a través la pintura, la escultura, el muralismo, y el grabado. Desarrolló un estilo abstracto, recurriendo a la fusión de líneas estéticas de las culturas amerindias andinas con las vanguardias plásticas internacionales.

Al mismo tiempo, hizo uso de imágenes de fuerte arraigo en la cultura porteña para construir obras de fuerte impacto popular. Si deseas conocer información más detallada sobre la obra de este artista, visita su sitio web oficial. 9 Carlos Regazzoni (Argentina).

  • Carlos Regazzoni nace en 1943;
  • Actualmente está consagrado en Francia, donde vive la mitad del año en el castillo de Fontaine Française;
  • Su obra escultórica se caracteriza por estar realizada con sobras de vías y pedazos de vagones en desuso, de ahí que se haya ganado el calificativo de ‘artista alternativo’;

Regazzoni también ha hecho insectos, casi siempre hormigas con las que adornó varios carteles de la avenida Libertador en el barrio porteño de Retiro. Descubre la obra del artista en su página web. 10 Enrique Carbajal, ‘Sebastián’ (México). Enrique Carbajal nace en 1947, en Camargo (Chihuahua, México) y es conocido mejor por el nombre de Sebastián.

  1. Actualmente, imparte cursos, talleres y conferencias en diversas universidades e instituciones tanto de México como del extranjero;
  2. Este artista mexicano es conocido por sus esculturas monumentales construidas en acero o concreto, las cuales decoran múltiples ciudades alrededor del mundo, desde San Antonio en Texas, hasta Osaka en Japón;

Una de sus obras más destacadas es ‘El Caballito’, junto a la Torre del Caballito, en la ciudad de México.

¿Qué pasó con el Partenón?

Enlaces externos [ editar ] –

  • Partenón, el gran templo de Atenea
  • Parthenon. Sitio web oficial con información sobre horarios, entradas y datos de contacto. Ministerio de Cultura de Grecia (en inglés).
  • Sobre el Partenón , en el Proyecto Perseus (en inglés).
  • Artículo sobre el friso del Partenón (en inglés).
  • Maqueta del Partenón (en inglés).
  • Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre el Partenón.

¿Cuáles son las obras escultóricas más famosas de Alonso Cano?

NOTICIA 01. 01. 1970 – 01:00h Actualizado: 06. 08. 2019 – 10:08h Te mostramos una selección con algunos de los escultores más relevantes del panorama artístico hispano, ordenados de manera cronológica. 1 Alonso Cano (España). Pintor, escultor y arquitecto español, Alonso Cano nació en 1601 y falleció en 1667.

Como escultor se formó con Juan Martínez Montañés. Sus obras escultóricas más famosas son el retablo de Nuestra Señora de la Oliva en la iglesia de Lebrija, y las figuras colosales de San Pedro y San Pablo.

En Sevilla realiza otra de sus obras importantes, la Inmaculada Concepción que se venera en la parroquial Iglesia de San Julián, escultura en madera policromada de 1,41 m de altura. Alonso Cano buscaba en las obras que realizaba, por encima de cualquier otra consideración, la belleza, algo que se puede apreciar en sus imágenes esbeltas, las cuales adoptan formas de huso y poseen rostros ovales, ropajes que se pliegan y la capacidad de transmitir una gran tranquilidad.

2 Manuel Tolsá (España). Este escultor español nació en 1757 y murió en 1825. Estudió en Valencia en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

Fue discípulo del escultor José Puchol. Entre sus obras, destacan: Estatua ecuestre de Carlos IV “El Caballito”, Busto de Hernán Cortés en el Hospital de Jesús o los Cristos de bronce que se encuentran en la Catedral de Morelia. 3 Eloy Palacios (Venezuela) Este escultor venezolano nació en 1847 y murió en 1919.

En los primeros años continúa siendo tradicional en Venezuela la creación de imágenes religiosas realizadas en tallas de madera. Posteriormente, se van imitando los modelos de la antigüedad greco-romana, representándose las figuras humanas con pesos muy similares a las utilizadas en las estatuas clásicas.

Entre las obras más destacadas de Eloy Palacios están: la Estatua de José María Vargas en el Hospital Vargas de Caracas, la Estatua de Simón Bolívar en la Plaza Bolívar de Maracaibo o la Estatua de José Antonio Páez en la Plaza Páez de Caracas. 4 Lola Mora (Argentina).

Esta escultora nació en 1866 y murió en 1936. El gobierno argentino le encargó numerosas obras. En 1900 le encargó los bajorrelieves que luego adornarían el patio de la Casa de La Independencia en San Miguel de Tucumán.

Su obra más relevante, la Fuente de las Nereidas, causó polémicas moralistas. Cuando la terminó en 1903, la sociedad aún “victoriana” consideró “licenciosas” y “libidinosas” las esculturas que mostraban (y muestran) alegremente sin recatos los cuerpos desnudos emergiendo triunfalmente de las aguas.

5 Rodrigo Arenas Betancourt (Colombia). Rodrigo Arenas Betancourt nació en 1919 y murió en 1995. Fue uno de los artistas colombianos más prolíficos y apreciados nacional e internacionalmente. Sus bronces se caracterizan por ser gigantes, melodramáticos y espectaculares; se encuentran ubicados a lo largo y ancho de la geografía colombiana.

Cuatro ejemplos muy destacados de sus trabajos son: Bolívar Desnudo de Pereira, Bolívar Cóndor en Manizales, Monumento a la Raza en el Centro Administrativo La Alpujarra en Medellín, y el complejo Lanceros del Pantano de Vargas cerca a Paipa, que es la escultura más grande de Colombia.

  • 6 Juan Soriano (México);
  • Este artista plástico mexicano nació en 1920 y falleció en 2006;
  • Su trabajo se distingue por haber desarrollado un estilo propio, basado en el lirismo y una búsqueda constante, derivada de la inquieta personalidad del creador;

Juan Soriano se interesó por la escultura monumental, entre cuyas obras se recuerdan Pato, Pájaro Dos Caras, y Pájaro Con Semillas. En el espacio público, se pueden hallar algunas de sus obras más conocidas: Paloma (Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México), Ola (World Trade Center de Guadalajara, México), Luna (Auditorio Nacional, Ciudad de México) y Sirena (Plaza Loreto, Ciudad de México).

  • Si quieres conocer más información sobre la vida y obra de este artista, visita su página web;
  • 7 Fernando Botero (Colombia);
  • Fernando Botero es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido en 1932 en Medellín;

Después de pasar varios años en Europa, fijó su residencia en Nueva York. Actualmente posee residencias en varios lugares del mundo: Colombia, París o la localidad italiana de Pietrasanta son algunas de ellas. Está considerado como uno de los artistas latinoamericanos más cotizados del momento.

Con unas señas de identidad inconfundibles, como son sus cuerpos humanos voluptuosos y desproporcionados, sus obras están expuestas en ciudades como: Londres, Roma, San Francisco, Filadelfia, Boston, Chicago, Basilea, Buenos Aires, San Juan de Puerto Rico, Santo Domingo, Berlín, Múnich, Fráncfort, Tokio, Milán, Nápoles, París, Montecarlo, Madrid, Moscú, Viena, Ciudad de México, Monterrey o Caracas, entre otras.

Botero ha podido lucir sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia y hasta en las Pirámides de Egipto.

8 Pérez Celis (Argentina). Nació en Buenos Aires en 1939 y falleció en 2008. Su obra se expresó a través la pintura, la escultura, el muralismo, y el grabado. Desarrolló un estilo abstracto, recurriendo a la fusión de líneas estéticas de las culturas amerindias andinas con las vanguardias plásticas internacionales.

Al mismo tiempo, hizo uso de imágenes de fuerte arraigo en la cultura porteña para construir obras de fuerte impacto popular. Si deseas conocer información más detallada sobre la obra de este artista, visita su sitio web oficial. 9 Carlos Regazzoni (Argentina).

Carlos Regazzoni nace en 1943. Actualmente está consagrado en Francia, donde vive la mitad del año en el castillo de Fontaine Française. Su obra escultórica se caracteriza por estar realizada con sobras de vías y pedazos de vagones en desuso, de ahí que se haya ganado el calificativo de ‘artista alternativo’.

Regazzoni también ha hecho insectos, casi siempre hormigas con las que adornó varios carteles de la avenida Libertador en el barrio porteño de Retiro. Descubre la obra del artista en su página web. 10 Enrique Carbajal, ‘Sebastián’ (México). Enrique Carbajal nace en 1947, en Camargo (Chihuahua, México) y es conocido mejor por el nombre de Sebastián.

  • Actualmente, imparte cursos, talleres y conferencias en diversas universidades e instituciones tanto de México como del extranjero;
  • Este artista mexicano es conocido por sus esculturas monumentales construidas en acero o concreto, las cuales decoran múltiples ciudades alrededor del mundo, desde San Antonio en Texas, hasta Osaka en Japón;

Una de sus obras más destacadas es ‘El Caballito’, junto a la Torre del Caballito, en la ciudad de México.

¿Cuál es la espiritualidad del Partenón?

Simbólicamente, desde un punto de vista de la espiritualidad griega clásica, el Partenón, dentro del conjunto de la Acrópolis, destacaba sobre el resto de divinidades y héroes que recibían culto en otros edificios del entorno, incluyendo al mismo Zeus.